CURTIS STIGERS: UN CROONER SIN ETIQUETAS

Asociamos la imagen de los Crooners, elegantes con su traje de gala, micro en mano y un grupo numeroso de músicos  arropando su particular voz. El artista de este post huye de todo el boato que rodea a los American Jazz Singers.

CURTIS STIGERS (1965, Idaho), saxofonista, compositor y cantante de Jazz por convicción tardía. A lo largo de dos décadas, ha demostrado su amplia gama de gustos musicales y la capacidad para sintetizarlos, coloreando las pistas con tonos de Pop, Country, Folk y clásicos del R&Blues.

De joven estudió clarinete y saxo, pero se curtió en bandas de Rock&Blues. Se traslado a New York para poder dedicarse al Rock pero por diversos avatares termino tocando en un trío de Jazz.

En 1991 consiguió fichar por Arista y publicó su primer trabajo con titulo homónimo y en él su éxito más popular, "Wonder Why". Junto con "TIME WAS" sus trabajos más Rock-Pop.

 Versión live de "Wonder Why" 1991, recuerdo del estilismo de la época.

Durante los '90 sus composiciones estaban más en la línea de artistas como Michael Bolton o Richard Marx. Su forma de cantar semeja a Ray Charles, pero le diferencia su ligero tono Country.

En el 2001 publica "Baby Plays Around", dejando su estilo habitual de Rock-Pop para volcarse en el Jazz vocal.

Su voz ronca y varonil unida a sus habilidades interpretativas las ha utilizado a lo largo de su carrera para cimentar su reputación como formidable cantante de Jazz del nuevo milenio.

"Crazy Moon" de su "You Inspire Me" (2003) de sus mejores LP's. Jazz íntimo con ligero toque Country.

 

Posteriormente le han seguido siete álbumes y varios temas incluidos en diversas bandas sonoras (El Guardaespaldas, Dawson's Creek). En el 2010 compuso los temas principales de la galardonada serie de TV "Sons of Anarchy", en ella que se refleja el modo de vida de las bandas de Hell Angels  cincuenta años despúes de "Easy Rider".

"This Life" su voz es un golpe en el estomago de genuino Country-Rock. 

   

Pero donde marca las distancias respecto al resto de vocalistas de Jazz americanos es realizando covers. Nunca ha sido partidario de apoyarse en las denominados Great American Songbook. Tiene  una visión ecléctica al elegir los temas (Tom Waits, Bob Dylan o Elvis Costello) y un estilo propio para plasmarlos, sin estridencias o abusos orquestales. Esto le aporta el valor añadido que le diferencia del resto.

Este tema "I Dont Want To Talk About It Now" (Emmylou Harris) corrobora lo expuesto.

En este 2012 nos llega su nuevo trabajo,"Let's Go Out Tonight", diez temas de combustión lenta en el que expone plenamente su madurez musical, su voz grave e intimista se mece sobre múltiples propuestas de estilos y autores:  Eddie Floyd (Stax), Blue Nile (Dream-Pop), Richard Thompson y Bob Dylan. En los trabajos de los crooners, siempre hay más de una cover, en este, nueve de diez. CURTIS STIGERS, digámoslo, abusa de ellas en todos sus entregas.
Aunque el álbum tiene un tono nostálgico está bien elaborado. Ideal para acompañar una lectura, sin estridencias.

   El único tema original del álbum, "Everyone Loves Lovers"

 

Cover acustica del tema "Things Have Changed" de Bob Dylan.

¿Bailas?

Su web: http://curtisstigers.com

HOOTIE AND THE BLOWFISH: GUSTO POR EL PLATINO

 

Hace unos días me descubrieron un grupo a seguir, Alabama Shakes (www.alabamashakes.com). Sus guitarras limpias y las composiciones me recordaron a una autentica American Band of Rock de los '90 que encaja con los principios de este blog, HOOTIE AND THE BLOWFISH. 
Si en los '70 fueron The Eagles y en la década siguiente y principios de los '90 fueron REM, el relevo lo tomó H&B.

Formada en 1986 por cuatro alumnos de la Universidad de Carolina del Sur que decidieron decantarse por la música frente a los libros. Su nombre es la unión de los apodos de dos compañeros de estudios.
H&B son una banda convencional (guitarra, bajo, batería y voz), suficiente par crear temas imperecederos.

"I'm Go Home",...Sha-la-la-la,...

Su primer disco "Cracked Rear View "('95) les catapulto a la fama gracias a un comentario que hizo David Letterman en su late show televisivo cuando entrevisto al grupo,"Si usted no tiene este álbum, está equivocado". Las ventas se dispararon de tal forma que ese año ganaron casi todos los premios musicales que habían en disputa: dos Grammy (Mejor Nuevo Artista, Canción del Año), video MTV, Billboard Music Award, ...

Recuento final, dieciséis (16) discos de platino (1=1.000.000 copias) y varias vitrinas repletas de premios.

"Hold My Hand" fué el tema que cautivo a la audiencia en su presentación en TV.

 

El éxito de "Crack Rear View" y de la obra de los H&B radica en la cantidad de temas pegadizos que contienen, provocando tras la escucha su repetición en la mente (Picazón Cognitivo).
Un crítico musical los definió como la alternativa a la alternativa, refiriendose al predominio en aquellos años del pesado sonido Grunge (Nirvana, Green Day) y el Rap frente a la exuberante frescura de sus composiciones. 

 "Hannah Jane", la bateria y las guitarras marcan el ritmo trepidante del tema, las voces se enlazan perfectamente.

 "...one step and tomorrow comes,

two step and it's all...

El secreto de sus hits, ágiles guitarras y voces conmovedoras lideradas por Darius Rucker, un afro-americado cuya voz arenosa y vibrante es un instrumento expresivo que rebosa ingenio. El color de su piel es posiblemente el rasgo distintivo del grupo. Según cuentan sus compañeros, gracias a él pueden atreverse con el Bluegrass, el Funky, Blues, Rock,...

 Emotivo tema "Time", de los mejor conocidos.

"Tiempo ¿porque me castigas?

Como una ola golpeando en la orilla".

Difícil fue superar la marca de "Cracked Rear View" pero los dos siguientes "Fairweather Johnson" y "Musical Chairs" consiguieron un total de cinco (5) platinos más.

"Fairweather Johnson" ('96) un álbum de continuación que obtuvo críticas favorables. 

 "She Crawls Away" a ritmo de Country, menos electrificada que la original e igual de seductora.

 

Su tercer LP "Musical Chairs", es un trabajo más maduro, por vez primera incorporan una sección de cuerda e instrumentos de Country (acordeón, banjo). Siendo un buen LP tuvo menor apoyo en su difusión.

 "Old Man & Me", el tema trata sobre el envío de nuestros hijos a la guerra.

 

El grupo siempre ha estado muy comprometido en múltiples obras benéficas e incontables los conciertos que han realizado para recaudar fondos. A raíz de la retirada gobernamental de fondos para la educación en su país, H&B crearon una fundación para la educación infantil en clases desfavorecidas de Carolina del Sur. 

"Only Lonely", entrañable balada donde las haya.

Después de cinco Lps y multitud de giras, a mitades del 2008 la banda anunció su disolución. Darius Rucker siguió en solitario y en 2009 se convirtió en el primer afroamericano en ganar el Premio Artista Revelación de la Asociación Americana de Música Country.

 "I Will Wait" reconocible estribillo made by H&B.

Aunque su mayor eco lo tuvieron en los USA no llegaron a tener el que les correspondía fuera de sus fronteras. Subestimados en el tiempo los considero imprescindibles a estar presente en toda discografía particular por pequeña que sea. 

Sirva este este post como reconocimiento a una genuina banda de A.O.R.  

Su web: www.hootie.com

POPA CHUBBY: BIG GUITAR MAN

XIMO SIGALAT.

De vez en cuando todos tenemos entre nuestros pensamientos, alguno  que se repite con cierta periodicidad de una manera recurrente. El mío, si he de ser sincero, sería emular  en un cuadrilátero al presentador de un combate de boxeo.

Pongámonos pues en situación, micrófono en mano y con la entonación adecuada…...... “en el rincón de la derecha, con 52 añitos, más de 300 libras de peso, cabeza afeitada, perilla Rock & Roll, tatuajes en todo el cuerpo, cantante, compositor, guitarrista  y procedente de las mismas entrañas del Bronx, el barrio más peligroso de New York……¡¡¡¡¡Teeeeeed Horowitz!!!!! (Llámame Popa……….Popa Chubby)...

A los 6 años empezó a tocar la batería y  un año más tarde su padre le llevó a un espectáculo en el Madison Square Garden en el que tocaba el gran Chuck Berry, quien se convirtió en el ídolo de Popa. A los nueve años, al morir su padre, se fue a vivir con sus abuelos y decidió aparcar su amor por la batería. A los 16 años comenzaron sus coqueteos con la guitarra.

Sus primeras influencias musicales las recibió de un jukebox junto al que se reunían los adolescentes del barrio para escuchar Soul y R&B de los años 60. En la radio imperaba el sonido de  Jimi Hendrix,  Led Zeppelin, Johnny Winter, Cream, The Rolling Stones y POPA como una esponja absorbió  todo tipo de influencias. Desde aquel momento hasta hoy, Sly & the Family Stone, Wilson Pickett, Aretha Franklin están muy presentes su música. POPA siempre ha reconocido que Freddie King ha sido el referente en la busqueda de su estilo.

En sus comienzos como músico sucumbió a la heroína que lo mantuvo apartado de la circulación durante unos años. Con el tiempo logró superar su adicción, rescató su guitarra de las telarañas y el abandono. A principios de los ‘90 empezó a tocar Blues en los clubs de  Nueva York. Dos años más tarde ganó un concurso de nuevos talentos patrocinado por una radio pública de Long Beach, lo que le permitió abrir el Festival de Blues que se celebraba en dicha localidad.

 “Stoop Down Baby”, este tema  muestra su maestría con la guitarra y lo difícil que puede ser tratar de encasillarlo.

Su apodo POPA CHUBBY viene de "Pop a chubby" frase neoyorquina que se usa para definir una excitación o erección. También se le conoce como el Rey del Blues de Nueva York, y lo cierto es que ocupa merecidamente ese trono. En el corazón de su estudio, situado en un sótano, utiliza su talento para mezclar Blues, Jazz, Rock, Funk, Soul, Rap y lo que haga falta, hasta obtener un estilo musical con neta influencia de los setenta que se caracteriza por ser una música urbana, cruda y auténtica, denominada New York City Blues, siendo POPA el líder por excelencia. 

En "Sally Like To Run" nos presenta su faceta más dura.

En sus 20 álbumes realizados desde 1994 nos relata  lo esencial  del Blues callejero. Historias ocurridas en la Gran Manzana mezcladas con cuentos autobiográficos y canciones protesta sobre temas políticos y sociales. Todas esas influencias se advierten en la música de POPA CHUBBY, con  su imponente presencia en escena y un sonido avasallador.

Decididamente su punto fuerte son las actuaciones en directo y su complicidad con el público, que consigue de una forma natural y  sin esfuerzo, haciendo que sus conciertos se conviertan en espectáculos memorables. En Europa es un ídolo, apareciendo frecuentemente en la portada de revistas especializadas en guitarra. 

Se le ha clasificado como músico de Blues, pero en realidad es un todoterreno. Incluso destaca más haciendo covers  que como compositor y lo demuestra interpretando a Jimi Hendriks, Bob Dylan, Leonard Cohen, Lou Reed o el “Wild Thing”  que hicieron famosa The Troggs. Para demostrarnos que no tiene prejuicios, en sus directos suele recrearse tocando el “Somewhere Over The Rainbow”  que popularizó Louis Armstrong..

Si J Hendrix levantara la cabeza no creo que pusiera ninguna objeción a la versión que hace Popa  de “Hey Joe”.

Esta es la base de su música, una guitarra que suena como un verdadero taladro agujereando la más espesa de las paredes,  sin disculpas, visceral, canciones poderosas, riffs potentísimos y sin una pizca de miedo de no sonar Blues. POPA nos hace sentir vivos.
Con CHUBBY, las noches son siempre calientes, sus  conciertos están  empapados en sudor y su entrega hace que sus actuaciones se prolonguen  más de lo permitido. 

Este obeso con cara de niño ha sabido ganarse un espacio dentro de la escena del Blues Rock.

"Knockin'on the heavens doors", llévanos al cielo POPA.

"...y en la otra esquina del cuadrilatero..." podría estar como contrincante Joe Bonamassa, Jim Byrnes o Monte Montgomery. Para mí POPA CHUBBY parte con ventaja. 

Si os quedasteis con ganas de disfrutar a POPA CHUBBY en toda su inmensidad os dejo con un concierto de más de 50'.

ORIGINAL vs COVER: PEOPLE GET READY

Cuando buscas "PEOPLE GET READY Song" en el navegador aparecen ¡177.000.000  de referencias!

Su autor CURTIS MAYFIELD en aquella época formaba parte del trío THE IMPRESSIONS (Chicago Soul). La compuso en 1964 como homenaje a la marcha del 28 de Agosto de 1963 pro Derechos Civiles y donde Martin Luther King pronunció el famoso discurso  "I Have a Dream". 

MAYFIELD  estaba en una etapa en la que sus composiciones tenían un tinte político, con ellas pretendía aumentar la autoestima de la comunidad negra ante la opresión racial.

La original comienza con la delicada  voz de Mayfield, la guitarra y la percusión aparecen sutilmente, las voces de Jerry Butler y Sam Gooden se alternan, coreando y completando las estrofas. Los tenues matices del triángulo, las cuerdas y los metales crean esa sensación etérea dando forma a la melodía. Es en estos arreglos donde radica su esplendor.

People Get Ready
Hay un tren que viene/No necesitas ningún equipaje /Acabas de subir a bordo/Todo lo que necesitas es la fe
Para escuchar el zumbido Diesel/No necesitas ningún billete /Acabas de dar gracias al Señor

Y todo en una época en la que las mesas de mezclas de los estudios de grabación tenían menos de una decena de pistas. Hoy en día  son  digitales y superan el centenar, por no contar  el alto nivel tecnológico que se implementa continuamente en las grabaciones.

Comenzamos con una cover contundente, en clave de Blues, que demuestra que no todo en Brasil es Samba o Bossa. El inmenso Ed Motta con los Blues Etílicos. Vaya riff de guitarra y harmónica, ¡oiga!

"Hay un tren que viene..." el párrafo de la canción habla de una oportunidad de redención, la ocasión largamente buscada de superar el racismo.  El autor describió posteriormente que la letra además del sentimiento político estaba influenciada por las enseñanzas religiosas de su juventud.

El guitarrista Jeff Beck y Rod Stewart posiblemente una de las cover más conocida. Esa voz peculiar de Rod, macerada en alcohol, la borda.

Considerada por la revista Rolling Stone una de la 24 mejores canciones de la música actual. Solo con artistas de Rock y R&B se contabilizan casi un centenar de covers de la original, desde Bob Dylan (tiene tres) a Prince pasando por Bob Marley.

Alicia Keys, le da su impronta personal, su voz por encima de la música, la silencia. El final al auténtico estilo Aretha Franklin.

Como cover poco afortunada, la de Sting (El Ubicuo), siempre presente en todos los eventos y como que no era su día o no era su canción. Abusa de su timbre, pasión forzada. Jeff Beck cumple.

 

 

"PEOPLE GET READY" contiene una característica que le hace especial, con una letra claramente Gospel e independientemente de la filiación religiosa del oyente, gusta a todos, de ahí la grandeza y el poder de la música para unir a la gente.

AL GREEN: EL REVERENDO DEL SOUL

Albert Greene nació en Forrest City (Arkansas) en 1946. 

Ya de joven apuntaba maneras. Su padre le expulsó de los Greene Brothers (su grupo familiar de Gospel) porque le sorprendió escuchando la música de Jackie Wilson.

En 1969, inició su carrera como solista en clubes nocturnos y  adoptó el nombre artístico de AL GREEN.

En una de sus actuaciones con su grupo Soul Mates tuvo la oportunidad de conocer al trompetista y vicepresidente de la discográfica HI Records, Willie Mitchell, el cual después de ver la presentación de GREEN quedó impresionado y lo invitó a Memphis para  realizar un álbum juntos. Mitchell confiaba en el éxito de GREEN y lo incentivó a que buscara su propio estilo de voz, en una época en la que el joven artista buscaba imitar a sus ídolos musicales: Jackie Wilson, Wilson Picket, James Brown y Sam Cooke.

"Tired of Being Alone" Su primer single de oro.

Con acompañamiento de lujo: Chicago (Transit Authority). Falsetto y expresión vocal plena.

Su mayor éxito lo logró con el álbum "LET´S STAY TOGETHER" ('72). Con la canción del mismo título alcanzó el número uno en el Billboard, manteniéndose durante nueve semanas consecutivas.

 

El tema "Let's Stay Together" obliga a poner una más original: Al Green & Friends: Toni Childs, Carlos Santana, Tito Puente, David Sanborn, Melissa Etheridge y  alguno más.

 

Su vida dio un vuelco el 18 de Octubre de 1974. Mary Woodson, pareja sentimental de Green, a pesar de que ella ya estaba casada con otro hombre, le pidió matrimonio, él rehusó la propuesta. La mujer al verse rechazada, se acercó al cantante mientras se bañaba y le arrojó sémola de maíz hirviendo sobre su espalda, provocandole quemaduras de tercer grado. Posteriormente al acto violento, la mujer se encerró en una habitación de la residencia de Green en Memphis, escribió una nota de despedida y se suicidó.

 El artista canalizó este incidente como una señal de Dios, a tenor de este se ordenó como reverendo baptista creando la Full Gospel Tabernacle. Actualmente sigue ejerciendo cuando no está de gira.

En el quinto álbum "I'm Still In Love With You" (72) este tema  da nombre al mismo, según Green, su favorito.

  

La calidad de AL GREEN posiblemente está oscurecida por  Marvin Gaye (artista top de Tamla Motown volcada en él). Green continuaba en el sello minoritario HI Records, pero seguía colocando temas en las listas de exito. Su estilo conjuga el mejor Soul de Memphis (más rudo) y el de Philadelphia (más elegante). La facilidad que tiene para crear melodias imperecederas es incuestionable.

Take Me to the River" ('75) más conocida por la magistral cover que realizó Talking Heads en su music-movie "Stop Making Sense" que la original del reverendo. Atención a los acompañantes: B.B.King, Sheryl Crown y Lenny Kravitz.

En 1995 fue incluido en el salón de la Fama del Rock, y nueve años más tarde en el de la Fama del Gospel. En el 2002 Green recibió un premio Grammy por su trayectoria musical.

Cuando Willie Mitchell incorporò por primera vez al sonido de Green los metales, forjó la base para crear temas como este "I Can't Stop".

                                      

   Más Soul, imposible.

La trayectoria musical de GREEN contempla 38 LPs, incluyendo recopilaciones, Best of, Christmas albums y Sermones. Su etapa más prolifica y creativa  se sitúa en la década de los '70.

Su último trabajo "Lay It Down" (2008) contiene algunos duetos con John Legend, Corrine Bailey Rae y Anthony Hamilton.

Gospel en su mejor expresión. Al Green 'Lay it down' Live.

 Reverendo Green siga bendiciendonos con sus melodías.

SELAH SUE: UNA BELGA LLENA DE SOUL

Cojamos a una joven veinteañera, pongámosle el peinado del malvado Syndrome (The Incredibles-PIXAR), recubramos su cristalina piel de porcelana, mezclemos la voz de Erykah Baduh con la de Cindy Lauper y Duffy, un buen puñado de talento y demosle una guitarra. El resultado SELAH SUE.

Esta joven cantante y compositora belga, de ascendencia jamaicana y mirada picarona, después de conquistar Europa Central con su primer LP "SELAH SUE" intenta  hacerse un hueco en el mercado USA.

"Raggamuffing",  el éxito que la aupó a las listas, torrente de emociones y sensaciones.

Ganadora del EBBA 2012 (European Border Breakers), galardón que reconoce el éxito de  nuevos artistas o grupos que con su primer álbum internacional, publicado el año anterior, han "roto fronteras" y llegado a públicos fuera de su propio país.

Sus actuaciones en numerosos festivales europeos y telonera de Simply Red o Moby entre otros le preparo para empezar a creerse que podía ser una estrella.

Sus temas reflejan un compendio de estilos, tendencia actual de no encasillarse en uno exclusivo, así SHELAH SUE compone en clave Soul, Reggae, Hip-Hop.

"Crazy Vibes", segundo single, en su vídeo-clip apunta hacia el mercado USA, ambiente y personajes estereotipados, incluso su banda habitual la han cambiado por una de color. Soul blanco con pizcas de color negro.

"...el ritmo es mágico, y esto me despierta, una y otra vez, parece que vuelo, esto me levanta , una y otra vez ¿ sabes que lo puedes hacer? Locas vibraciones".

En "Black Part Love" un Reggae-Groove con claras influencias musicales de Erykah Badu.  El característico sonido del piano Rhodes arropa su enérgica y rasgada voz. 

SELAH SUE con 17 años renunció a su primer contrato porque consideraba que no estaba preparada para ese compromiso. Con este trabajo confirma que ha dejado de ser una promesa musical. Esperemos que sus convicciones musicales no las desmonte la industria discográfica.

"Ragga Session" tema que parafrasea con las inflexiones vocales características de los cantantes de Reggae.

Si deseáis paladear mejor su estilo ahí queda un reciente concierto en Budapest.

http://www.selahsue.com

JAKE MORLEY: GUITARRA 100 x 100

Hay artistas que gracias a su fama abren la puerta a otros que aunque no los imitan están dentro de su misma corriente musical. En esta ocasión nos referimos a los denominados Neo-Folks (Jack Johnson, James Morrison). Es el caso de JAKE MORLEY, un Busker (término inglés que define a los músicos callejeros) con una característica que le diferencia del resto, la forma de interpretar con su guitarra. 

MORLEY coloca la guitarra acústica en su regazo, las cuerdas hacia arriba,  entregadas a sus ligeros dedos. Al pulsarlas de una forma particular amplía la gama de sonidos, creando notas que parece imposible salgan de solo seis cuerdas. La golpea con delicadeza y repiquetea sobre el cuerpo de la misma para crear el acompañamiento. Extrae sonidos que asemejan al piano, el arpa, la guitarra y la batería. Incluso a veces suena a xilófono.

Esta técnica se denomina Lap Tapping. Otros referentes son Tony Haven o Erik Mongrain.

El resultado, "Eyes"

 

Su primer LP "MANY FISH TO FRY",  lo grabó en solo seis días! Producido por un veterano, Phill Brown (Bob Marley/Talk Talk). Contiene canciones conmovedoras como "This City" o "The Light", otras transmiten sensaciones de bienestar como " I Saw Something".

"Freddie Laid The Smackdown" -En clave de Blues.

El vídeo promocional "Feel Don´t Fail Me Now", no parece muy acorde con lo escuchado. Tema coral cuyo enfoque apunta descaradamente a las fórmulas radiofónicas, intentando llegar a un público mayoritario, de ahí la inclusión de más instrumentos y voces. 

"Que no me falle el sentido ahora"

En "MANY FISH TO FRY" hay buenos cortes intimistas, la orquestación y arreglos conquistan la avalancha de las notas de la guitarra, dejándola a veces en un segundo plano, pero no llega a imponerse en todos los temas.

Este trabajo plasma sin tapujos las inquietudes musicales de MORLEY. Pop ambicioso que él califica como honesto.

 Yo de momento me quedo con este "This City".

Su web:  http://www.jakemorley.com/

ANDY WARHOL: EL JAZZ SEDUCIDO POR EL POP ART

XIMO SIGALAT

Deseo dedicar unas líneas a la reciente conmemoración del 25 aniversario del fallecimiento de ANDY WARHOL y su relación con el Jazz.

Cuando hablamos de  ANDY WARHOL  seguro que todos sabemos de quien se trata. Su imagen no pasa desapercibida, con ese aspecto  desaliñado,  como si terminara de levantarse de la cama. Te dan ganas de regalarle un cepillo  a ver si pone un poco de orden en esos pelos. También  recordamos esas ilustraciones llenas de colores vivos, llamativos, se podría decir  que casi molestos para la época,  pero que en cierta medida te atrapan y desde luego  no te  dejan indiferente.

Durante la década de los ‘50  WARHOL  consiguió cierta reputación como ilustrador de revistas y en publicidad. En los '60 empezó a reproducir en sus trabajos imágenes de productos comerciales, pilares de la sociedad de consumo norteamericana, como la lata de Sopa Campbell o la botella de Coca-Cola. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses situándolos al mismo nivel que artistas tan en boga en su día como, Marilyn Monroe, Troy Donahue, Elizabeth Taylor, Liza Minnelli o Judy Garland.

Centrándonos en lo que nos ocupa, que es su relación con la música, y más concretamente su colaboración en el diseño de portadas de discos, se ha publicado en Norteamérica el libro titulado “ Andy Warhol:  The Record Covers 1949-1987”, escrito por Paul Maréchal.  Este autor  dedicó 12 años a conseguir los 23 discos que, según los archivos del Museo Andy Warhol en Pittsburgh, Pennsylvania, había diseñado el artista. Pero en su búsqueda halló,  sorprendentemente, 28 más. En total 51.

WARHOL diseñó para RCA VICTOR la portada de este trabajo de Count Basie.

 Buen momento para escuchar el “Basie Boogie" de Count Basie

De las  51 portadas que se le atribuyen, 10 están dedicadas a músicos de jazz y las 41 restantes se encuentran repartidas entre artistas tan importantes como los Rolling Stones ("Sticky Fingers" y  "Love You Live" ), John Cale ("Honi Soit" ), Diana Ros ("Silk Electric"), el póstumo "Menlove Ave" de Lennon , Paul Anka,  Miguel Bosé,  Aretha Franklin,  Deborah Harry y otros.

Warhol llegó a Nueva York en 1949, justo cuando las discográficas sacaban al mercado el formato LP (Long Play). Ofreció su talento como diseñador gráfico a las grandes compañías y pronto le llegó una oferta de Columbia Records para la portada de un disco de música mexicana.  En este trabajo ya anticipaba aspectos de su posterior estilo, copiando de un catálogo de arte figuras aztecas del siglo XVI, iniciando así su tendencia a crear arte a partir de imágenes ya existentes.

En 1956 inició su etapa dedicada a discos de Jazz con el diseñó de la portada del guitarrista de jazz Kenny Burrell “BLUE LIGHTS”. En la mayoría de sus trabajos tomó como punto de partida fotografías que luego coloreaba y modificaba a su gusto. Se dice incluso que la escritura caligráfica empleada en algunos de los álbumes fue llevada a cabo por la madre de WARHOL.

                     El guitarrista Kenny Burrell y el tema" Caravan"                

Para Johnny Griffin diseñó la portada de su “The Congregatión”(1957), dibujando en la camisa del artista unas flores que pintaría una y otra vez en los años 60.

En definitiva, Warhol utilizaría las portadas de discos como campo de pruebas donde experimentar con técnicas y perfeccionar el estilo que, con posterioridad, desarrollaría plenamente en obras de mayor formato y calado, obras ya de sobra conocidas que lo convertirían en uno de los máximos responsables de la estética pop universal. A esto le podemos añadir la reputación mundial que adquirió por su trabajo en cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas,  celebridades de Hollywood, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.